Tout savoir sur l'art Amérindien

L'art amérindien, également appelé art indien ou art des premiers indien d'amérique, est l'art visuel des habitants autochtones des Amériques, souvent appelés Amérindiens. 

La nature et les éléments de l'art amérindien

Le rôle de l'artiste

L'utilisation même du mot art suggère une des différences fondamentales entre les concepts européens ou dérivés d'Europe et les concepts amérindiens. En effet, non seulement peu de groupes indiens ont permis à l'art de devenir un mode de vie important, comme en Occident, mais de nombreuses langues amérindiennes manquent même d'un terme signifiant "art" ou "artiste". Si l'on voulait parler d'un beau panier ou d'une sculpture bien sculptée, il fallait généralement s'appuyer sur des termes tels que "bien fait", "efficace" ou peut-être "puissant" (au sens magique). Et le concept d'artiste était en grande partie celui d'une personne qui était simplement meilleure dans son travail qu'une autre. En général, les artistes ne se voyaient accorder une importance particulière que lorsque la richesse était un facteur majeur dans la culture. L'élite de nombreuses cultures, qu'elle soit riche en soi ou (plus communément) qu'elle ait atteint un haut niveau religieux, soutenait les groupes d'artistes qui produisaient des œuvres commémoratives et religieuses.

Bien que les Indiens n'aient peut-être pas considéré les compétences artistiques comme une vocation, la différence entre un panier bien tissé et une œuvre négligée ou une sculpture particulièrement bien conçue et un exemple grossier n'est pas passée inaperçue. Le travail de qualité était déjà très prisé bien avant le contact avec l'Europe, et avec l'avènement du système monétaire, il l'est encore plus.

L'art collectif contre l'art individuel | art amérindien hallmarks

Le rôle fondamental de l'artiste amérindien est le même que celui de l'artiste dans toute culture : susciter une réponse émotionnelle chez son public. Dans les cultures amérindiennes, la capacité de l'artiste à communiquer avec succès dépend largement de la reconnaissance de la force de la tradition. L'organisation sociale des différentes tribus laissait moins de latitude à l'expérimentation que les cultures occidentales et obligeait généralement l'artiste à travailler dans des canaux familiers. Pourtant, dans ce cadre rigide de la tradition, il y avait parfois un degré surprenant de liberté d'expression. Il existe des cas enregistrés d'individus ayant apporté des changements considérables dans l'art (et l'économie) de leurs tribus. En Amérique du Nord, les plus frappants ont peut-être été les carrières de Nampeyó (1859?-1942), le célèbre potier hopi, et de María Martínez (1881?-1980) et Julián Martínez (1897-1943), du pueblo San Ildefonso. Grâce à leur talent individuel, ces personnes ont remporté un triomphe personnel en développant un style qui a non seulement été copié par d'autres artistes mais qui, avec le temps, a été considéré comme "traditionnel" dans ce village particulier. Bien qu'il n'y ait aucun moyen de savoir combien de fois cela s'est produit dans le passé, il semblerait que cela se soit produit à Mimbres, chez les sculpteurs d'ardoise haïdas, et très probablement dans certaines régions des cultures dites des constructeurs de tertres du sud-est.

Origine des dessins et modèles | dessin art amérindien 

Les origines de la plupart des motifs décoratifs amérindiens ne peuvent être retracées avec précision aujourd'hui ; la plupart d'entre eux se sont perdus dans l'Antiquité. Nombre d'entre eux proviennent manifestement de formes naturelles, tandis que d'autres sont de simples développements de motifs géométriques ou linéaires. Certains sont devenus tellement imbriqués avec des concepts étrangers - occidentaux, après l'avènement des Européens, par exemple - qu'il est impossible de démêler complètement leurs sources. Il est cependant évident que certaines des formes originales étaient des créations d'artistes individuels et étaient souvent le résultat d'une quête de vision. Pour l'Indien, le monde de la quête de vision est mystérieux, un endroit où l'âme peut quitter le corps, participer à de nombreuses activités étranges et voir de nombreuses curiosités. Comme de nombreux dessins vus ou créatures rencontrées pendant la quête de la vision sont considérés comme des formes protectrices ou des êtres spirituels, ils sont soigneusement recréés pendant les heures de veille. Les non-artistes décrivent parfois les créatures de leurs rêves à un artiste désigné afin qu'elles puissent être enregistrées sur la peau, le bois ou la pierre. Mais comme ces visions surnaturelles étaient extrêmement personnelles, elles étaient généralement enregistrées par l'individu lui-même ; c'est pourquoi leur qualité esthétique varie énormément.

Mocassins du nord-est de l'Inde, décorés d'un motif géométrique avec des piquants de porc-épic, des perles de verre et des bandes de laine.

Les dessins et modèles artistiques étant considérés comme des biens personnels, un artiste pouvait acheter un dessin ou modèle ou le recevoir en cadeau de son créateur, mais s'en approprier et l'utiliser à ses propres fins était tabou.

La fonction de l'art | art amérindien peinture

De nombreux objets d'art indiens sont essentiellement destinés à rendre un service - par exemple, à servir de récipient ou à fournir un moyen de culte. La forme utilitaire particulière que prennent les arts amérindiens reflète souvent l'organisation sociale des cultures concernées. Les sociétés politiques et militaires semblent avoir trouvé leurs principales formes d'art dans le monde des armes, des insignes et de la panoplie. Ce phénomène est le plus prononcé dans les civilisations des Plaines, aztèque et inca, qui reflètent toutes la culture guerrière dominante dans leurs arts. Les cultures dans lesquelles la vie était fortement régie par la religion tendaient vers un plus grand degré d'art cérémonial que celles dans lesquelles la vie était moins ritualisée. Toutes les expressions esthétiques qui sont descendues des Mayas, par exemple, reflètent évidemment le poids considérable de la théocratie qui existait dans leur monde.

En général, mais pas nécessairement, le meilleur de l'art indien était appliqué aux objets destinés à plaire à une divinité, à apaiser les dieux en colère, à apaiser ou à effrayer les mauvais esprits, et à honorer les nouveaux nés ou les morts récents. Par ces moyens, les Amérindiens cherchaient à contrôler l'environnement et les êtres humains ou surnaturels qui les entouraient ou les menaçaient. A l'image des Capteurs de rêves.

Certains articles spécifiques étaient réservés uniquement à des usages religieux, d'autres à des besoins séculiers. La décoration ne donne pas toujours d'indices sur ces usages. Certains des articles religieux les plus vénérés sont totalement dépourvus d'ornementation - en fait, ils peuvent être assez laids - tandis que d'autres sont très embellis. Certains peuples utilisaient des bols en porcelaine pour la préparation des aliments, tandis que d'autres utilisaient des bols polychromes dans le même but. De nombreux objets avaient une double fonction : ils étaient normalement utilisés pour les besoins domestiques quotidiens, mais dans des circonstances différentes, ils pouvaient remplir une fonction religieuse. Sous la surface, une magie était à l'œuvre et, entre des mains initiées, un objet banal pouvait libérer son pouvoir surnaturel, faisant appel à des forces invisibles pour aider son propriétaire. Ce pouvoir pouvait être visuellement évident dans la forme, la forme ou la décoration de l'objet ou pouvait simplement être cru, quel que soit l'état physique ou l'apparence de l'objet. Le bouclier en cuir brut d'un guerrier corbeau, par exemple, peut être orné d'un dessin symbolique, ainsi que de matériaux tels que des plumes d'aigle sacrées et une tête de grue, afin de lui conférer des qualités telles que l'invulnérabilité, la rapidité et la force surnaturelles.

Bouclier de corneille en cuir brut peint avec des plumes d'aigle et une tête de grue, vers 1850 ; au Field Museum, Chicago. Diamètre 207 cm.

L'objectif de l'artiste indien n'était pas seulement d'établir des records réalistes, mais de créer les motifs semi-magiques si courants dans l'art des cultures non occidentales. Il a rapidement réalisé qu'il ne pouvait pas dessiner un arbre aussi parfaitement qu'il pouvait être fait par le Créateur ; donc, avec un peu de bon sens, il n'a pas essayé. Au lieu de cela, il a cherché l'esprit ou l'essence de l'arbre et l'a représenté dans son dessin. Les sculptures, les peintures, les effigies ou les portraits réalistes ne sont pas simplement des images de personnes ou d'objets ; ils incarnent également l'essence de ce sujet particulier. Ce caractère semi-magique de l'art amérindien est difficile à comprendre pour l'esprit occidental. Il n'est pas rare que le non-Indien demande : "Que signifie ce dessin ? Les Amérindiens attachent souvent des noms aux dessins, principalement par commodité. Les spectateurs peuvent être confus lorsqu'un Indien appelle un dessin donné une "feuille" ou une "pointe de flèche", alors qu'en réalité, il veut dire que le dessin est "en forme de feuille", ou "en forme de feuille", etc. Mais le non-Indien traduit immédiatement ce fait par le fait que le dessin signifie une feuille ou une pointe de flèche et essaie de donner au concept visuel global une narration qui n'est pas pertinente pour l'œuvre de l'artiste original.

Le rituel était souvent imbriqué dans le processus même de création de l'art indien. L'évaluation occidentale de l'art amérindien est souvent centrée sur le produit plutôt que sur le processus ; les artistes indiens, cependant, accordent une attention toute particulière au processus de création et interagissent avec leurs matériaux à tous les stades de la création. Le masque de faux visage iroquois, par exemple, doit être sculpté dans le tronc d'un arbre vivant - d'où le terme de masque vivant. L'arbre est adressé rituellement avant que le sculpteur ne commence, et le masque et l'arbre sont "nourris" de tabac avant que les deux ne soient séparés. Ce rituel prescrit est d'une importance égale, sinon supérieure, à celle de l'habileté artistique employée dans la production de l'œuvre. Si les actes cérémoniels étaient ignorés, l'article perdrait son efficacité - et pourrait même s'avérer dangereusement contre-productif. Cet aspect rituel, qui imprègne la plupart des accessoires de cérémonie, est extrêmement complexe et doit être pris en compte tout au long de la création de l'œuvre d'art.

Cependant, l'art indien n'est pas toujours religieux ou politique. La plupart des cultures ont également produit une quantité considérable d'art banal, humoristique et même profane. Bien qu'une grande partie de l'érotisme ait disparu dans les feux puritains qui continuent à brûler l'Occident, il reste suffisamment d'exemples préhistoriques et récents pour indiquer une liberté d'expression totalement détendue reflétant une vision saine et naturaliste.

Matériel | art amérindien ata

Travaillant dans les matériaux naturels de leurs pays respectifs, les différentes cultures amérindiennes ont produit des œuvres d'art qui reflètent leur environnement. Les peuples vivant dans des régions fortement boisées, par exemple, devenaient inévitablement de talentueux sculpteurs sur bois ; ceux pour qui l'argile était une ressource importante devenaient d'habiles potiers ; et ceux qui vivaient dans les prairies devenaient de fins vanniers. Il n'y a pratiquement aucun médium naturel qui n'ait été exploré et maîtrisé par les Indiens : jade, turquoise, coquillage, métaux, pierre, fibre d'asclépiade, écorce de bouleau, piquants de porc-épic, poils de cerf, excréments de lama, moustaches d'otarie - tous ont été utilisés par l'artiste pour donner de la couleur ou de la texture au produit fini. Dans de nombreux cas, ces matériaux devenaient des marchandises recherchées en soi, à échanger sur de grandes distances ; pour certains objets, ils n'étaient pas considérés comme "officiels", sauf s'ils étaient fabriqués à partir d'un matériau prescrit, et, en particulier pour des fins religieuses, un substitut ne pouvait être toléré. Souvent, dans de tels cas, les matériaux atteignaient une valeur standard dans l'économie, et étaient facilement acceptés comme moyen d'échange partout où ils étaient en vogue.

Sac à bandoulière iroquois en peau de daim, décoré de piquants de porc-épic et de poils de cerf, vers 1750 ; conservé au Linden-Museum für Völkerkunde, Stuttgart, Allemagne.

La relation entre le matériau et le design dans l'art indien était très différente de celle de la tradition occidentale. Le peintre occidental imposait généralement un dessin sur la surface artificiellement limitée d'une toile plane et rectangulaire ; et le sculpteur, suivant des dispositions spatiales prédéterminées, imposait une forme à son matériau. D'autre part, le peintre et le sculpteur indiens étaient moins enclins à forcer leurs matériaux à se conformer à un dessin préconçu. Ils avaient plutôt tendance à adapter leur dessin aux contours naturels de leurs matériaux, qui se trouvaient souvent être une peau de buffle complète et donc irrégulière, une branche d'arbre ou une pierre. Ce naturalisme est l'un des aspects les plus agréables de l'art indien et démontre souvent la remarquable capacité de l'artiste à incorporer la forme naturelle dans sa composition.

 

Styles régionaux des arts visuels amérindiens

Le terme "art amérindien" recouvre une catégorie extrêmement large, englobant toutes les expressions artistiques des premiers habitants des Amériques et de leurs descendants apparentés. Il comprend donc non seulement des cultures variées et complètement disparates, mais s'étend également sur de grandes séquences temporelles, du début du XXIe siècle à la préhistoire. (Les artefacts survivants démontrent clairement que l'homme ancien possédait déjà des capacités esthétiques considérables ; le silex, par exemple, était soigneusement émietté en formes attrayantes et bien équilibrées, et la sculpture sur pierre et la poterie étaient manipulées avec compétence).

Des pointes de clovis présentant des canaux caractéristiques, ou cannelures, qui s'étendent du milieu de la lame à la base de l'instrument.

 

Bien que les dissemblances entre les expressions artistiques de différentes cultures et de différentes époques soient grandes, il y a aussi des similitudes ; car l'emprunt de formes d'art à des peuples lointains et parfois étrangers était une pratique courante. Les objets des collections des musées révèlent, par exemple, que des matériaux ornementaux tels que les plumes, les coquillages, le jade et la turquoise étaient échangés ou transportés sur des milliers de kilomètres. Ce commerce lointain repoussait les limites des styles tribaux, car de nouvelles idées étaient diffusées, ainsi que des matériaux. Avec le temps, les nouveaux dessins et motifs sont devenus partie intégrante des concepts stylistiques et des traditions des personnes auxquelles ils avaient été présentés. Les mariages intertribaux ont également influencé les styles régionaux. Alors que dans certaines tribus, le mariage au sein du groupe était obligatoire, dans d'autres, il était interdit. Dans ce dernier cas, les traditions artistiques pouvaient se répandre dans le nouveau groupe, auquel elles étaient ensuite incorporées.

Il est de plus en plus évident que des forces communes étaient à l'œuvre dans l'art de divers groupes, même si elles étaient répandues dans le temps et l'espace. Certains symboles sont très répandus, et certains semblent avoir eu une signification similaire sur un vaste territoire. Il est probable que ce sont les routes commerciales ou l'hégémonie politique qui ont exercé les principales influences sur ce phénomène. En Amérique centrale, par exemple, le motif du serpent à plumes se retrouve sous une forme ou une autre dans presque toutes les cultures, et ce motif s'étend même aux États-Unis, où il se retrouve sous forme visuelle aussi bien que dans la légende. L'existence de la divinité féline pratiquement dans toute l'Amérique du Sud, du sud jusqu'au nord de la région andine, est un autre exemple du voyage d'une idée et d'un élément visuel. Certaines coutumes ont également été largement acceptées, par exemple le rôle des têtes de trophées, l'utilisation de personnages masqués et les cérémonies du nouveau feu du solstice d'hiver. Et chacune de ces coutumes était accompagnée d'expressions artistiques visuelles connexes.

Malgré les similitudes entre les formes d'art des différents groupes culturels et des différentes époques, on ne peut pas parler de l'art indien comme s'il s'agissait d'un concept unique. Tout comme il y avait plusieurs centaines de langues, dialectes et formes de discours indigènes, il y avait un nombre égal de styles, motifs et formes de design tribaux. En essayant d'établir un lien esthétique commun, le chercheur bien instruit trouve généralement autant de différences que de similitudes.

Lorsque deux peuples complètement différents s'installent dans une zone commune, comme cela s'est produit lors de la migration des Navajos d'Athabasca vers le sud-ouest du Pueblo, le résultat final peut être un mélange des cultures, la perte de certaines anciennes individualités - puisque chacune contribue à la nouvelle expression - et l'émergence de nouvelles qualités esthétiques. Il n'est pas certain que les tisserands navajos étaient très compétents à leur arrivée dans le Sud-Ouest, mais le peuple pueblo était très développé dans cet art. Par la suite, les Navajos ont non seulement appris de nouvelles techniques de tissage et de nouveaux motifs, mais ils ont également amélioré avec le temps les méthodes Pueblo acquises, transféré le rôle du tisserand de l'homme à la femme et ont mûri en tant qu'artisans beaucoup plus sophistiqués. D'autre part, dans les mêmes circonstances, on peut parfois trouver des différences surprenantes ; par exemple, alors que les Hopis et les Zunis vivent presque côte à côte et dans des conditions culturelles similaires, il est tout à fait possible d'identifier les produits artistiques des deux groupes sans grande difficulté. Cela est également vrai pour les cultures de l'Antiquité, comme les Aztèques et les Mayas ou, à une autre époque et dans une autre région, les Sioux et les Corbeaux.

Couverture Navajo classique, c. 1855-65 ; au musée de Newark, New Jersey. 110 × 156 cm.

C'est dans les tribus ou les entités culturelles qui faisaient partie d'un tout à une certaine époque mais qui se sont séparées par la suite que l'on trouve le plus souvent des thèmes communs, des éléments artistiques et des modèles culturels si semblables qu'ils prêtent à confusion.

Pour comprendre plus facilement certaines des impulsions artistiques actives parmi les tribus du Nouveau Monde, il est commode de les prendre en séquence géographique, de l'Amérique du Nord à l'Amérique du Sud.

 

Style régional : Amérique du Nord | art amérindien canada

Les produits esthétiques de la préhistoire nord-américaine sont peut-être les moins connus du public non indien. Cela est dû en partie au fait que ces premiers peuples n'ont laissé que peu de ruines architecturales spectaculaires par rapport à leurs cousins d'Amérique latine. Cela ne veut pas dire que les monuments architecturaux n'ont pas existé. Des récits espagnols rapportent que de grands tertres de temple étaient en usage dans le sud-est au moment de la première entrée en Europe, au milieu du XVIe siècle. Mais la plupart de ces structures étaient en bois périssable et ont disparu depuis longtemps - tout comme la plupart des exemples de la grande utilisation des couleurs et de l'énorme gamme de textiles. Tant de matériaux étaient périssables que les savants n'ont guère de moyens de juger leurs arts et doivent, en fait, tirer des conclusions sur un peuple en se basant sur une petite partie seulement de ses réalisations.

Sud-ouest | art amérindien 

Dans le Sud-Ouest, les habitations monumentales en pierre des falaises qui subsistent sont un témoignage éloquent de la culture qui y existait. Passant d'une simple maison de fosse à des maisons en surface, ces gens se sont installés sur les plateaux de ce qui est aujourd'hui l'Arizona et le Nouveau-Mexique et ont construit des structures remarquables à plusieurs étages, dont certaines - comme le Pueblo Bonito au Nouveau-Mexique - abritant des centaines de familles dans plus de 400 pièces.

Ces maisons d'appartements étaient bien adaptées aux exigences de leur environnement ; leurs murs étaient en pierre ou en argile et en sable mélangés comme de l'adobe. Les murs épais en pierre offraient une excellente isolation, étant chauds en hiver et frais en été. La hauteur atteint sept étages, bien que la plupart des villages soient de trois ou quatre niveaux.

Les principales divisions de ces premiers Indiens du sud-ouest comprennent les Hohokam du sud de l'Arizona, les Pueblo ancestraux (Anasazi) du nord de l'Arizona-Nouveau-Mexique et les Mogollon du sud-ouest du Nouveau-Mexique. A ces groupes, qui ont chacun produit un style propre, distinct de tous les autres, s'ajoutent des dizaines de sous-groupes moins importants que les archéologues étudient depuis des décennies pour tenter d'assembler les pièces de ce puzzle géant.

Les habitants des pueblos ont produit certaines des œuvres d'art les plus réussies. Ils étaient des maîtres du tissage, de la peinture et surtout de la fabrication de poteries. Leurs techniques de tissage étaient bien antérieures à l'arrivée des moutons espagnols ; un coton indigène fournissait de nombreuses fibres pour des tissages complexes colorés avec des teintures indigènes. Les pigments minéraux et végétaux fournissaient des décorations colorées lorsqu'ils étaient appliqués au pinceau de fibres sur du bois ou de l'argile ou sur des murs enduits de plâtre blanc selon la technique de la fresque. Heureusement, d'abondants gisements de kaolin ont permis d'obtenir de l'argile de haute qualité pour la création d'excellentes formes de poterie. Bien que de petites effigies de pierre aient été trouvées, la sculpture n'était pas une forme d'art très développée. L'art pueblo est essentiellement linéaire ou géométrique dans sa conception et révèle une préférence pour la décoration appliquée. Les grands kivas souterrains (salles utilisées à des fins religieuses) étaient décorés de peintures murales exécutées dans des couleurs brillantes à base de pigments minéraux.

L'art pueblo est devenu un art fortement conventionnalisé, tenu à des formes relativement rigides. Cette caractéristique était déterminée, sans doute, par la nature communale étroitement liée d'une culture qui dépendait d'une étroite coopération pour sa survie. Dans le meilleur des cas, les débuts de l'art du Sud-Ouest sont marqués par la compétence technique et le contrôle fin des lignes et des formes ; mais ils reflètent peu d'expérimentation, tendant plutôt à retravailler les modèles établis dans de nombreux dessins complexes.

Dans le Sud-Ouest, les arts ont prospéré et sont toujours des forces actives dans la vie des peuples qui les pratiquent. Presque tous les métiers pratiqués dans la préhistoire le sont encore aujourd'hui, ainsi que certaines expressions nouvellement introduites. Les premières routes commerciales ont apporté de nouvelles idées aux Pueblos, encourageant le développement de nouvelles créations et le renforcement de nouveaux marchés. Cependant, en raison de son conservatisme essentiel, l'art pueblo, comme la culture dans laquelle il prospère, reste étroitement lié à ses anciens antécédents.

Le long de ces mêmes routes commerciales sont venues des tribus envahissantes d'autres régions, en particulier les Navajos et les Apaches, qui se sont ensuite installés dans le sud-ouest et qui, avec le temps, ont surpassé leurs maîtres dans certains arts qu'ils ont adoptés, améliorés et fabriqués eux-mêmes, notamment l'orfèvrerie et le tissage. Alors que les tisserands pueblos dominaient autrefois le domaine du textile, le travail des tisserands navajos, remarquablement inventifs, est devenu très recherché à la fin du XXe siècle. L'orfèvrerie, autre art Navajo réputé, est plus récente ; ce n'est qu'en 1853 que le premier forgeron Navajo a repris les outils de son métier, mais au cours du siècle suivant, les bijoux et les ornements Navajo ont acquis une grande notoriété.

Comme à l'époque préhistorique, la sculpture du Sud-Ouest n'a pas réussi à se développer en tant que forme d'art majeure. Le travail sculptural le plus actif dans le Sud-Ouest se reflète dans les poupées kachina (katsina) en bois de coton sculpté et peint des Hopis et des Zunis, qui ont joui d'une grande popularité en tant qu'objets de collection. De nombreuses variations de ces sculptures en bois se retrouvent également dans les figurines d'autel et de sanctuaire, qui ne sont pas produites pour la consommation commerciale.

 

Poupée kachina Hopi en bois, vers 1925 ; au Centre George Gustav Heye du Musée national des Indiens d'Amérique, New York. Hauteur 64 cm.

 

L'artisanat de la vannerie et de la poterie est modérément actif. Mais très peu de poteries sont faites pour un usage indigène ; elles sont largement destinées au marché extérieur. Bien que la poterie et la vannerie soient produites en quantités bien plus faibles qu'elles ne l'étaient après les premiers contacts européens, la qualité du travail contemporain est toujours élevée.

Jarre à eau, argile, engobe, Amérindien, Pueblo Zuni, fin XIXe-début XXe siècle ; au Brooklyn Museum, New York. Hauteur 31,7 cm, diamètre 22,2 cm.

La spécialisation a longtemps été un facteur dans l'art du Sud-Ouest et l'est devenue de plus en plus ces dernières années. Certaines tribus produisent la quasi-totalité des petits fétiches sculptés, ou des minuscules perles de coquillage et de pierre percées. Les Zunis préfèrent les bijoux en argent travaillés avec minutie et dotés de minuscules sertis de turquoises, tandis que les Navajos utilisent des pièces en argent massif avec de lourds sertis de turquoises. Les Navajo fabriquent également la plupart des tapis et textiles lourds, tandis que les Hopi fournissent des kilts de cérémonie légers, des écharpes et des tissus de costume similaires.

Une autre forme d'art qui a peut-être été apportée du nord, mais qui a plus probablement été adoptée par la culture pueblo, est la peinture sur sable (plus précisément appelée peinture à sec). L'utilisation d'une variété de pigments minéraux finement broyés, que l'on laisse couler entre les doigts pour former une variété de motifs compliqués, est devenue uniquement Navajo. Ces motifs servent de point de mire pour les cérémonies de guérison.

Midwest et Grandes Plaines | art amérindien 

L'existence d'un riche art textile dans le Moyen-Orient préhistorique est connue, mais sa portée et son développement se perdent dans des centaines d'années d'histoire dont peu d'exemples subsistent. Les exemples de vannerie et de bois sont tout aussi rares. Il reste suffisamment de ces denrées périssables pour indiquer que ces arts étaient maîtrisés, mais pas assez d'exemples pour permettre aux chercheurs de juger de leur développement esthétique. Ce qui a survécu à profusion est la pierre, travaillée avec habileté et de multiples façons. On a également trouvé des poteries, bien qu'elles ne soient pas de la plus haute qualité, ainsi que des ornements en cuivre et en mica.

Parmi les substances relativement périssables, la coquille finement sculptée et incisée est courante, ce qui, avec l'os, indique la gamme artistique de ces premiers peuples. La quantité d'objets trouvés est impressionnante. Les peuples de la région, qui constituent des groupes numériquement importants, étaient actifs dans la production de matériaux et d'outils permettant de relever le défi de leur environnement. Les chercheurs ne peuvent pas déterminer la fonction de tous les exemples de pierre récupérés, mais on sait qu'une grande partie de la richesse archéologique était de nature cérémoniale, ce qui indique une civilisation très organisée.

Des structures rituelles existaient, telles que les "monticules à effigie" - de grands tas de terre façonnés pour représenter une variété d'animaux. Le Serpent Mound, dans l'Ohio, est un exemple de cette coutume. Les pyramides tronquées servaient de grandes bases pour les temples en bois, aujourd'hui disparus depuis longtemps mais toujours en usage lorsque les explorateurs espagnols sont arrivés dans la région. Le Monks Mound, qui domine les Cahokia Mounds, près de Collinsville, en Illinois, est la plus grande construction préhistorique en terre du Nouveau Monde.

 

Vue aérienne de Serpent Mound, une effigie construite par la culture Adena entre 500 bce et 100 ce, au sud-ouest de l'Ohio, États-Unis.

Les principales expressions culturelles de cette région sont celles des peuples des cultures Adena, Hopewell, Oneota et Old Copper ; leur art est très étendu et fait un grand usage de tuyaux de pierre sculptés, d'ornements polis en pierre et en cuivre, et de décorations de coquillages incisés.

La dernière région des Grandes Plaines est la région la plus familière au non-Indien moyen, car c'est le monde des émissions de Buffalo Bill, des programmes de télévision et de cinéma, et de la fiction. C'est de là que viennent les costumes en peau de daim et en perlage, les bonnets de guerre à plumes, les décorations colorées en piquants de porc-épic et les boucliers peints qui personnifient l'Amérindien dans l'esprit de la plupart des gens.

Pourtant, il n'y avait pas de culture monolithique. Les arts des Indiens des plaines variaient considérablement d'une tribu à l'autre ; certains peuples semblent avoir eu un goût esthétique supérieur, comme en témoignent leurs développements sensibles et inventifs dans le domaine des arts.

Très peu de sculptures sur bois ont été produites ici en proportion des autres arts, mais un ensemble respectable de bols en bois, de massues, d'effigies, de figurines et d'objets similaires indique que l'artiste des Plaines n'a pas ignoré ce médium. La production de poterie et de vannerie était encore plus faible, car les récipients étaient principalement fabriqués à partir de peaux de bison.

Une grande partie de l'art des Plaines avait un but à la fois décoratif et spirituel. Un motif donné peut sembler être avant tout une décoration colorée, mais pour les initiés, il était aussi l'esprit gardien de son propriétaire.

À l'origine, la couleur était obtenue par des pigments minéraux ou des teintures végétales. Avec le temps, ceux-ci ont été supplantés par des teintures commerciales et des couleurs commerciales. Le piqué de porc-épic - l'utilisation de petites piquants de porc-épic d'Amérique du Nord (Erethizon dorsatum), qui sont aplatis, teints, puis appliqués à la surface de peaux d'animaux ou de matériaux textiles - est un art produit nulle part ailleurs dans le monde. Pendant un certain temps, le travail en piquants de porc-épic a été remplacé par l'utilisation de perles commerciales en verre, qui non seulement étaient techniquement similaires dans leur application au travail en piquants de porc-épic, mais qui ne se décoloraient pas et donnaient une richesse de couleur impossible à obtenir autrement. Mais à la fin du XXe siècle, l'art de la broderie en piquants de porc-épic a connu une résurgence.

Les formes d'art elles-mêmes vont du réaliste à l'extrêmement abstrait et symbolique. Souvent, leur contenu est narratif, comme c'est le cas pour les "Winter Counts", ces documents peints qui racontent l'histoire des tribus au moyen de symboles annuels, et les peintures d'histoire personnelle sur peau qui racontent les exploits du propriétaire.

 

 

Non seulement l'Indien des Plaines a décoré sa maison, mais aussi sa personne, avec des cheveux soigneusement coiffés, de la peinture faciale et des vêtements mis en valeur. Et il accordait la même attention esthétique à son cheval qu'à lui-même, en créant du matériel magnifiquement décoré pour les grandes occasions. Exposée en statique dans une exposition de musée, une grande partie de cette ornementation perd la grâce du mouvement. Lorsqu'ils sont portés comme prévu, le mouvement du porteur et la brise des plaines donnent aux costumes à plumes ou à la peau de daim frangée une grâce et une couleur vives.

 

Extrême-ouest, nord-est, centre-sud et sud-est | art amérindien

À l'époque préhistorique, le centre-sud et le sud-est faisaient partie de la région la plus passionnante sur le plan artistique du continent nord-américain. Ce pays de temples, de monticules et de monuments était un monde étonnant, et on peut vraiment comprendre les légendes qui ont grandi autour des richesses qui étaient évidentes à l'arrivée des Espagnols et qui sont encore présentes dans les fouilles archéologiques. Les coquillages magnifiquement sculptés, les gorges incisées et les ornements vestimentaires minutieusement décorés, les effigies en pierre sculptée de figures d'ancêtres ou de divinités, qui suggèrent une forte affinité avec le Mexique ancien, et les nombreuses pipes à oiseaux et à animaux dans les musées de tout le pays, témoignent des civilisations très développées qui ont existé. Si le bol en diorite de la culture du Mississippi moyen trouvé à Moundville, Ala, avait été le seul chef-d'œuvre à avoir survécu, aucune autre preuve de l'éclat artistique de ces peuples ne serait cependant nécessaire.

 

Bol en diorite du Mississippien moyen en forme de canard en bois à crête, de Moundville, Ala, États-Unis, vers 1500 ; au Centre George Gustav Heye du Musée national des Indiens d'Amérique, New York. Longueur 25,4 cm.

Le bois a été utilisé à profusion, bien que peu de choses aient été conservées dans un état ressemblant à celui d'origine. Une quantité de textiles, bien que sous forme de fragments, a également survécu. Parmi les autres denrées périssables, on trouve des perles d'eau douce décoratives, des plumes, des os et des peaux d'animaux.

Mais c'est dans le travail de l'argile que la plus grande vitalité semble s'être exprimée. Bien qu'une grande partie de l'argile utilisée soit de qualité inférieure, les résultats sont étonnants. Des formes exubérantes, des lignes de surface délicatement tracées et des dessins forts et puissants ont tous été exécutés avec une confiance et une grâce qui attirent encore les étudiants en art contemporain. Un énorme assortiment de récipients a été créé dans le sud-est : des applications florales, géométriques et en argile, de délicates bouteilles d'eau polies et d'énormes jarres funéraires, ainsi que de nombreux beaux récipients créés pour sanctifier un sanctuaire, décorer un temple ou rendre hommage à un dieu - autant de preuves de l'imagination, du savoir-faire et de l'amour de l'argile pour elle-même que ces premiers potiers ont dû ressentir. Il reste suffisamment de cette production remarquablement importante pour donner une excellente idée des sommets esthétiques atteints.

Avec l'arrivée des colons européens, cette créativité a été arrêtée ou détournée. Les tribus ont été tuées ou dispersées par la bataille, la maladie et l'esclavage, ou leur organisation sociale a été tellement perturbée que les activités normales ont été détruites et que leur énergie a été consacrée à la survie. Si l'introduction de nouveaux et meilleurs outils a permis d'améliorer les compétences techniques, la stabilité économique qui avait autrefois permis d'exprimer un fort élan créatif n'était plus présente. Les artistes avaient perdu leurs anciens marchés - des acheteurs qui comprenaient ce qu'ils achetaient - et servaient à la place un client plus soucieux de l'apparence extérieure que de la fonction de l'objet. Il en est résulté ce que l'on appelle de manière désobligeante l'élaboration d'un art touristique, qui n'a pas grand-chose à voir avec l'intégrité du produit.

Aujourd'hui, presque tous les arts autochtones du Sud-Est ont disparu ou sont beaucoup moins activement recherchés. La grande sculpture sur pierre qui a fait sa renommée a entièrement disparu, bien que l'excellente sculpture sur bois soit un art qui perdure ; la poterie est très différente des styles précédents. L'art le plus actif, et probablement le plus réussi, est la vannerie, dans laquelle les artistes d'aujourd'hui sont en tout point égaux ou supérieurs à leurs prédécesseurs.

Le grand art des Indiens de Californie était la vannerie ; aucun autre peuple au monde n'a produit une aussi grande variété de superbes vanneries. Les peuples Pomo, Hupa, Yurok et Karok du nord ont développé la vannerie jusqu'à son apogée avec des tissages si serrés qu'ils fournissent un récipient étanche, des paniers si petits qu'ils mesurent moins de trois millimètres de diamètre, d'énormes paniers à grains et des paniers "cadeaux" délicatement tissés avec des plumes d'oiseaux entrelacées qui permettaient non seulement à la tisserande de démontrer sa maîtrise de l'art mais aussi de montrer son affection pour les défunts. Ailleurs, le Chumash, le Mono-Paviosto, le Washoe et le Panamint se sont révélés tout aussi habiles.

Les tribus des forêts de l'Est se répartissent en trois divisions : le Sud-Est (voir ci-dessus) et les Grands Lacs et le Nord-Est. Le groupe des Grands Lacs a produit divers arts, dont le travail du bois, un style de tissage avec du jonc et du chanvre, et un fort art de piquants de porc-épic, remplacé plus tard par le travail du perlage. Ce style de perlage a été populaire au tournant du XIXe siècle, lorsque de grandes quantités de perlage sont devenues disponibles. L'art dépendait d'un cadre de tissage, qui permettait la fabrication de longues bandes, utiles pour les colliers, les ceintures, les panneaux et les bandeaux. L'application de tissus, en particulier de rubans, est un art important dans la région des Grands Lacs. L'art du bois fait un usage efficace de la loupe (excroissance hémisphérique d'un arbre), à partir de laquelle on fabrique des bols et des récipients. La poterie était presque inexistante.

Les peuples du nord-est, notamment les Iroquois, sont célèbres pour leurs masques de la Société des Faux Visages, leurs ouvrages en piquants de porc-épic et en perles, leurs bols et louches en bois et leurs ceintures tissées, qui sont des documents historiques importants. Certaines poteries ont été produites, mais pas en quantité ni en qualité significatives. La vannerie des bois était courante, mais elle n'était pas de la qualité que l'on trouve ailleurs. Principalement du type à armure toile, elle était rarement ornée, et lorsqu'elle l'était, l'ornement consistait en des motifs estampés ou peints à la teinture végétale.

 

Esquimaux (Inuits) et côte nord-ouest | art amérindien canada
Esquimau (Inuit)

Il peut sembler peu probable que l'art occupe une grande partie de l'attention des habitants des sombres régions arctiques ; non seulement il y a peu de matières premières avec lesquelles travailler, mais le besoin constant de garantir un approvisionnement alimentaire semble laisser peu de temps pour l'artisanat. Pourtant, de cet environnement hostile sont nées certaines des sculptures indiennes les plus imaginatives et les plus humoristiques. Pendant les longues nuits d'hiver, les Esquimaux avaient amplement le temps de travailler l'ivoire provenant du morse et de la baleine.

Les styles artistiques de la région favorisaient la sculpture en ronde-bosse, la décoration par incision et une modeste quantité d'incrustations. Comme le matériau de base était souvent une défense ou une dent, ces objets dictaient partiellement la forme, qui était embellie après avoir été sculptée par incision ou gravure. Le pigment noir, provenant de feux de charbon de bois, était frotté dans les lignes pour mettre l'accent. La sculpture préhistorique sur bois qui a pu exister a presque entièrement disparu, mais il en reste suffisamment pour indiquer qu'il s'agissait d'une forme d'art riche et variée. D'anciennes sculptures en ivoire ont également été fouillées, révélant un style sophistiqué et formel. L'ivoire dit fossile à partir duquel ces sculptures ont été réalisées est encore très prisé aujourd'hui et, lorsqu'il est trouvé, il est invariablement transformé en de magnifiques sculptures qui prennent de la valeur en raison de la rareté de la matière première, riche en couleurs.

Amulette en ivoire stylisé de la culture du Dorset, trouvée au Labrador ou au Québec, Canada.

Une caractéristique prédominante de l'art esquimau est le sens de l'humour chaleureux qui est si répandu. Il s'exprime tantôt sous forme de caricature, tantôt sous forme de "bande dessinée" séquentielle. Son expression surréaliste est probablement le reflet de la prise de conscience des Esquimaux que, la vie dans l'Arctique étant si fragile, l'humour est vital pour la santé psychologique.

Une autre caractéristique importante de l'art de cette région est la remarquable habileté mécanique qui a souvent été impliquée dans le processus de création. Une partie de l'art des Esquimaux était sa capacité à assembler soigneusement de petites pièces pour créer un tout - et sa capacité à fabriquer les outils nécessaires pour mener à bien l'opération, dont beaucoup étaient eux-mêmes des œuvres d'art. Cette habileté est évidente dans la forme d'art la plus célèbre de la région : les fantastiques masques en bois utilisés pour diverses danses et affaires sociales. Alors que de nombreuses tribus fabriquaient des masques en bois et les décoraient avec une ingéniosité colorée, aucun peuple autochtone d'Amérique du Nord n'a développé l'art de la caractérisation imaginative à un tel point. Le surréalisme par excellence. Ces masques démontrent une combinaison de qualités réalistes, imaginatives et surnaturelles qui est unique aux Esquimaux.

 

Masque en bois peint des Esquimaux de Kuskokwim, 1875. Hauteur 31 cm.

Depuis 1950 environ, une forme d'art sur pierre, utilisant des dépôts de stéatite grise et verte, ou stéatite, trouvés dans les environs de la baie d'Hudson, est devenue familière aux collectionneurs d'art. Généralement colorées artificiellement, ces pièces de sculpture de petite taille sont des exemples populaires d'art de genre. Elles reflètent les compétences sculpturales inhérentes aux Esquimaux et doivent leur origine et leur promotion à des organismes non indiens qui ont travaillé en étroite collaboration avec plusieurs groupes d'artisans de la région. Une forme d'art graphique dérivée des techniques de gravure japonaises est également devenue populaire de cette manière.

 

Figure de chaman en ivoire de morse incisée, esquimaux Kinugumiut, vers 1890 ; au Centre George Gustav Heye du Musée national des Indiens d'Amérique, New York. Hauteur 9 cm.

 

Côte nord-ouest | art amérindien 

C'est dans cette région, richement dotée de formidables forêts de cèdres et d'épicéas, que le sculpteur amérindien a atteint sa plus belle expression. C'est probablement ici que l'influence des outils sur l'artiste est la mieux illustrée ; car, avec l'introduction des couteaux en acier, l'artiste de la côte nord-ouest a pu démontrer son talent dans cette sculpture esthétiquement superbe qui n'a de rival pour aucun autre peuple indien en Amérique du Nord.

La métallurgie dans l'art amérindien : Les peuples amérindiens

Dans l'Amérique précolombienne, l'or, l'argent et le cuivre étaient les principaux métaux travaillés, l'étain, le plomb et le platine étant utilisés moins fréquemment....
De grands poteaux droits en cèdre fournissaient le matériel pour les énormes poteaux commémoratifs, ou totems, les plus petites figures en bois, les masques et les autres objets sculptés tant aimés par les Indiens de la côte nord-ouest. Incrustés de coquille d'haliotide d'ormeau et soigneusement peints, ces produits ont pris une qualité si particulière qu'ils sont immédiatement identifiables.

 

Coiffe en bois peint par les Haïdas et coiffure de cygne incrustée d'ormeaux, vers 1870 ; au Denver Art Museum. Section centrale 15 × 18 cm.

Une autre qualité remarquable de l'artiste de la côte nord-ouest est sa compétence et son intérêt pour l'ajustement des dessins dans les formes. Il excelle dans l'adaptation de ses dessins à une zone, une forme ou une forme prescrite donnée, sans pour autant sacrifier l'intégrité du dessin.

Le rôle des grands totems de cette région n'a pas été bien compris par les non-Indiens, et de nombreux récits erronés ont été publiés quant à leur but et leur signification. Ils n'étaient pas religieux et n'ont jamais été destinés à être vénérés. Il s'agissait plutôt de documents commémoratifs, consignant la position sociale, la richesse et l'importance relative de la personne qui avait payé pour le mât. Comme la lignée familiale, le statut social, la richesse et d'autres faits sociaux étaient ainsi consignés, il était possible de se "présenter" au chef du village ou au propriétaire de la maison en examinant simplement le grand poteau.

 

Totem Tlingit et maison communautaire dans le Totem Bight State Park, Ketchikan, Alaska.

Le but de la plupart de cet art riche était l'exaltation de l'individu - plus précisément, un riche chef de village ou un grand noble, car la société était basée sur un système de classes. Une partie des insignes de la position sociale était l'accumulation de la richesse, et les objets d'art étaient une partie importante de cette richesse. Avec l'arrivée des Euro-Américains, qui convoitaient les riches fourrures de la région, le contrôle des grandes zones de pêche et la position stratégique des tribus de la côte nord-ouest leur ont permis d'acquérir une richesse stupéfiante en un laps de temps extrêmement court. L'existence d'une classe d'achat indienne, avec son besoin toujours croissant de biens impressionnants, a créé un fournisseur : l'artiste professionnel. Il s'agissait donc de l'une des rares cultures autochtones en dehors du Mexique à donner naissance à des mécènes qui engageaient des artistes sur commande.

Plus surprenant encore, les œuvres commandées étaient généralement destinées à être données. Si cela peut sembler paradoxal, la logique était simple : plus on donne, plus le prestige est grand (voir potlatch).

Les tribus de la côte nord-ouest ont été parmi les premiers Indiens d'Amérique à maîtriser l'artisanat des métaux. Si une partie du cuivre provenait de sources locales, la plupart provenait de navires baleiniers, à la fois comme cargaison amenée pour le commerce et comme ferraille décortiquée des coques des navires naufragés. Ce métal était travaillé avec beaucoup d'habileté par les artistes tlingits et haïdas pour en faire des couteaux de combat, des masques, des revêtements pour les œuvres d'art et le grand tinneh en forme de bouclier qui étaient si prisés.

Parmi les tribus de la côte nord-ouest, les Tlingits d'Alaska semblent avoir produit la sculpture la plus sensible et la plus sophistiquée. Les Kwakiutl, en revanche, ont exprimé leur sens de la ligne et de la forme dans des sculptures peintes extrêmement impressionnantes et puissantes : les motifs sont généralement soulignés par des couleurs vives, les formes sont beaucoup moins subtiles et le sentiment général est celui d'une force puissante à l'œuvre. Entre ces deux extrêmes, on trouve les sculpteurs haïdas, dont les œuvres, souvent moins fortement peintes que les œuvres kwakiutl, sont marquées par la précision du dessin, l'habileté dans l'exécution et la force d'expression. Ce sont eux qui sont à l'origine des "sculptures en ardoise" noires bien connues, qui sont en fait faites d'argile, une pierre que l'on ne trouve localement que sur Haida Gwaii (anciennement les îles de la Reine Charlotte), en Colombie-Britannique.

 

Sculpture en ardoise haïda de trois ours représentant une naissance par césarienne, argile, vers 1890 ; au Centre George Gustav Haye du Musée national des Indiens d'Amérique, New York. Hauteur 18 cm.

Le travail des peuples voisins de la côte nord-ouest, tels que les Niska, les Kitksan et les Tsimshian, qui vivaient en amont des Tlingit, est peut-être un peu moins connu, en grande partie à cause de leur population moins nombreuse et de leur situation intérieure plus éloignée. Il a cependant une valeur esthétique égale et peut être comparé, sur n'importe quelle base, à l'art du reste des peuples de cette région.

Avec l'arrivée des Euro-Américains, les habitants de la côte nord-ouest ont connu une brève période de prospérité économique, mais celle-ci a rapidement disparu, et les arts ont rapidement dégénéré en produits de curiosités. Avec le temps, même ceux-ci ont fourni si peu de revenus que tous, à l'exception de quelques sculpteurs et vanniers indiens, ont abandonné les arts. À la fin du XXe et au début du XXIe siècle, plusieurs produits artisanaux qui avaient pratiquement disparu, comme les célèbres couvertures Chilkat tissées à la main, ont connu une renaissance limitée. Les masques en bois qui sont souvent des répliques sculptées et peintes d'anciens masques ont également connu un regain d'intérêt ; mais il s'agit essentiellement d'un processus de copie, en grande partie mécanique et dépourvu de la créativité de l'original. La sculpture en argile connaît elle aussi une modeste renaissance, mais la plupart des produits sont encore de très petites formes ornementales et accessoires. En général, l'exubérance et la puissance des premières formes n'ont pas encore été pleinement réalisées par les artistes doués et déterminés d'origine indienne de la côte nord-ouest.

 

Style régional : Amérique centrale | art amérindien 
Mexique et Amérique centrale

Bien que le Mexique fasse géographiquement partie du continent nord-américain, son monde culturel est si différent qu'il est plus commode de le considérer comme faisant partie de l'Amérique centrale ou de l'Amérique centrale. Les groupes indigènes de la région reflètent également une forte influence espagnole qui était largement absente de la plupart des peuples autochtones d'Amérique du Nord. Il est vrai, cependant, qu'un fort commerce intertribal existait entre les tribus mexicaines et celles d'Amérique du Nord à l'époque préhistorique, et cette influence doit être prise en compte lorsque l'on considère les arts des deux régions.

La première forme d'art identifiable d'importance majeure au Mexique est celle des Olmèques, dont la culture s'est épanouie dès 1200 avant J.-C. sur une zone allant de Guerrero à Veracruz au Mexique et jusqu'au Guatemala, au Honduras et au Salvador. Ces Indiens ont sculpté les énormes "têtes colossales" que l'anthropologue américain Matthew W. Stirling a trouvées à La Venta, de délicates figures de "visage de bébé" en pierre verte et des figurines au visage arrondi, aux traits épais, aux yeux lourds et à la bouche tournée vers le bas que l'on appelle des "jaguars-garous" car l'image de cet être mythologique ou quasi-symbolique surnaturel est de type humanoïde et beaucoup pensent qu'elle combine les aspects humains avec le concept de jaguar.

 

 

Étroitement associés à la culture olmèque, mais un peu plus tard que celle-ci, sont venus les peuples qui ont habité Tlatico, Chupícuaro et d'autres sites connexes, qui sont devenus célèbres pour leurs belles figurines en argile de femmes nues aux coiffures fantastiques. À peu près à l'époque de la lente disparition de ces civilisations, d'autres peuples avaient commencé à développer leur propre mode de vie dans l'ouest du Mexique, notamment à Colima, Jalisco, Nayarit et Michoacán. On en sait beaucoup moins sur les cultures de ces régions, car relativement peu de travaux archéologiques professionnels avaient été entrepris à l'échelle nécessaire pour une investigation précise. L'énorme quantité de pillages qui ont eu lieu avant que les principaux sites ne soient sous contrôle professionnel a rendu difficile la découverte de l'histoire de ces peuples.

Figure assise avec des plaies, céramique peinte sur engobe avec de la peinture appliquée après cuisson, Nayarit, Mexique, 200 avant J.-C. à 500 après J.-C. ; au Los Angeles County Museum of Art.

La grande construction architecturale de l'Amérique ancienne évoluait à cette époque et a atteint son apogée vers 600 après J.-C. La ville de Teotihuacán (en dehors de l'actuelle ville de Mexico), la "Maison des dieux", a exercé une influence considérable du Mexique central vers la basse Amérique centrale ; des objets inspirés par des idées originaires de Teotihuacán sont encore mis au jour dans toute la région. Les célèbres masques, si typiques du style, ont été fabriqués vers 250-750 après J.-C. Leur qualité monumentale, formée par la grande masse de pierre à partir de laquelle sont façonnés les yeux ovales, la bouche sensuelle et le large visage, fournit un concept sculptural puissant. Bien trop massives pour avoir été portées, il est plus probable qu'elles étaient destinées à être utilisées comme offrandes funéraires, ou peut-être comme revêtement facial pour des effigies en bois.

 

Les vestiges de l'ancienne ville de Teotihuacán au Mexique comprennent des pyramides, des temples et des palais.

Les Toltèques, les Mixtèques et les Zapotèques, largement séparés les uns des autres, ont également laissé leur empreinte. Les premiers, qui ont quitté leur région natale autour de Tula, ont fini par se rendre jusqu'à la péninsule du Yucatán, laissant des traces de leur culture partout où ils sont allés. Les peuples zapotèques et mixtèques de Puebla et d'Oaxaca étaient réputés pour leurs arts uniques, en particulier l'orfèvrerie mixtèque ; ces maîtres artisans étaient recherchés sur de grandes distances pour les beaux bijoux et les objets artisanaux finement ajustés qui sont encore si appréciés aujourd'hui.

 

Ancien masque mexicain en porphyre trouvé au nord de Texcoco, Mexique, civilisation Teotihuacán, IIIe-IVe siècle de notre ère.

Le long de la côte est, dans l'État de Veracruz, un groupe de Mayas appelé les Huástec s'était installé vers 250 avant JC. Avec le temps, ils ont développé une nouvelle expression culturelle qui, parce qu'ils étaient isolés par les colons Totonac qui avaient alors construit un grand centre à El Tajín, est restée limitée à leur propre groupe. D'autres peuples pré-Totonac qui étaient actifs à Veracruz ont produit d'innombrables figurines de "visage souriant" et des œuvres connexes qui donnent l'impression d'un peuple exubérant et heureux. Parmi ces œuvres, il faut noter les petits sifflets en terre cuite qui abondent dans la région. Ils sont précieux non seulement comme œuvres d'art mais aussi comme exemples d'instruments de musique populaires à cette époque.

La particularité de cette région est l'utilisation du chapopote, un asphalte indigène communément appliqué sur les figurines en argile comme décoration. Parfois, le chapopote recouvre entièrement les figurines, alors que dans d'autres exemples, il est utilisé pour décorer uniquement le visage, la bouche ou les yeux.

Des sculptures sur pierre inhabituelles ont également été découvertes à Veracruz. Bien que ces objets aient été trouvés dans toute l'Amérique centrale, du Mexique central au Salvador, leur centre semble avoir été dans la région côtière de Veracruz. L'un de ces objets, la palma, ou pierre palmaire (en forme de main aux doigts étendus), a d'abord été considérée comme ayant une signification religieuse. Les experts considèrent aujourd'hui la palma comme un objet rituel ou un trophée représentant un véritable dispositif de protection, porté avec le yugo, ou joug, et le hacha, ou hache, utilisé dans le tlachtli, le jeu de balle cérémonial. Le tlachtli n'était pas sans rappeler le football moderne (soccer) ; l'objet était de propulser une balle de gutta-percha dans les airs sans la toucher avec les mains ; si elle passait par un petit trou dans le disque de pierre sculptée ou atteignait le but circulaire, le jeu était gagné. D'énormes échanges de biens personnels ont résulté de cette victoire - en fait, la vie elle-même était souvent perdue dans les grands concours.

Comme les Zapotèques de Oaxaca cédèrent à leur tour aux Mixtèques, plus belliqueux, dont le centre à Cholula était le site de la plus grande pyramide du monde antique (elle dépassait considérablement la taille de la pyramide de Gizeh en Égypte), cette dernière devint avec le temps secondaire pour les Aztèques. En 1200, ces nomades, venus du nord-ouest, s'étaient établis dans la vallée centrale, qu'ils appelaient Méxica, d'où le nom de Mexique. Le monde qu'ils ont construit a donné naissance à une forme d'art puissante, parfois brutale, dans laquelle la pierre était un médium privilégié. Les figures arrondies et musclées qu'ils ont produites étaient à l'origine brillamment peintes, un peu comme les sculptures de la Grèce antique. Les Aztèques ont produit une quantité étonnante de ces figures qui, alignées en rangées, servaient de porte-drapeau le long des avenues menant aux différents bâtiments.

À l'est et au sud, un autre monde complètement différent est apparu sous le nom de Maya. Centrés au Guatemala et au Honduras, où les capitales jumelles de Quiriguá et Copán sont encore des sites bien connus, les Mayas se sont répandus au Salvador, dans ce qui est aujourd'hui le Belize, et dans une grande partie du Mexique. La péninsule du Yucatán et l'État voisin de Campeche sont des régions où un grand nombre de sites mayas ont été découverts ; parmi ceux-ci, les monuments architecturaux mayas les plus célèbres se trouvent sans aucun doute à Uxmal, Labná, Kabah et Sayil, et les exemples les plus connus de peinture à fresque maya se trouvent à Bonampak, au sud-ouest. Chichén Itzá, la célèbre zone archéologique près de Mérida, combine à la fois des influences mayas et toltèques.

 

Fresque maya reconstituée de Bonampak dans l'actuel État du Chiapas, au Mexique, originale vers 800, montrant une procession avec des trompettes et des instruments à percussion.

Au large de Campeche se trouve le cimetière insulaire de Jaina, d'où sont sorties des figurines magnifiquement modelées qui comptent certainement parmi les plus belles œuvres d'argile de l'Antiquité. Ces figurines funéraires sacrificielles, répliques de personnages mayas en parure de cérémonie, donnent un aperçu remarquable des coutumes, des modes de vie et des costumes du peuple maya classique.

 

Figurine en poterie Jaina, style maya classique tardif, de Campeche, Mexique ; dans la collection de Dumbarton Oaks, Washington, D.C. Hauteur 15,5 cm.

Par rapport à la sculpture aztèque, les formes d'art mayas sont relativement délicates. Cependant, bien que le traçage de lumière soit caractéristique de leur sculpture et de leur peinture, des formes et des lignes fortes sont également présentes. Les Mayas étaient peut-être le peuple le plus sensible à l'art des Amériques anciennes ; il est certain que tout ce qu'ils ont créé semble l'avoir été en termes d'esthétique. Ils étaient compétents dans l'utilisation de nombreuses matières premières : coquillages, os, pierres de toutes sortes, bois, fibres, et même les plumes faisaient partie de leur art. Étonnamment, avec toutes leurs compétences, ils semblent n'avoir jamais beaucoup travaillé le métal : les objets en or, en argent et en cuivre sont extrêmement rares sur les sites mayas.

Présents dès 1500 avant J.-C., les Mayas ont commencé à monter en puissance vers 250 après J.-C. La civilisation maya avait atteint son apogée vers 750 et avait disparu vers 900. Les groupes restants ont maintenu le fil culturel comme un continuum jusqu'à environ 1200, mais à cette époque, à l'exception de leurs langues, ils ne pouvaient plus être considérés comme apparentés aux premiers Mayas.

Plus au sud, au Nicaragua, au Costa Rica et au Panama, les relations entre les différents peuples sont moins claires, en grande partie à cause de la relative rareté des travaux archéologiques qui ont été entrepris. En outre, le Panama étant un peu un carrefour, tant est-ouest que nord-sud, la diversité des influences qui s'y trouvent rend presque impossible toute évaluation concluante de l'art indigène. Mais même si l'on en sait beaucoup moins sur ces peuples, l'excellente qualité de leurs différents types d'œuvres ne fait aucun doute.

Les deux plus grandes réalisations artistiques de la région semblent avoir été la sculpture du jade et l'orfèvrerie. De la région de l'isthme proviennent certaines des plus belles pièces d'or moulées connues. Bien que l'on connaisse quelques pièces d'or finement ouvragées et délicates, la plupart d'entre elles consistent en des moulages lourds, avec des tracés à la cire perdue (modèles entrelacés de métal coulé dans un moule en cire) dans lesquels les formes d'animaux et d'oiseaux prédominent. Le travail de jade poli du Costa Rica est célèbre dans toute la région d'Amérique centrale. Les magnifiques "dieux de la hache", sculptés dans du jade vert, devaient être aussi recherchés dans les temps anciens qu'ils le sont aujourd'hui.

Dieu hache" en jadéite, du Costa Rica, vers 500-750 ; en chênes Dumbarton / fiduciaires de l'université de Harvard, Washington, D.C. 5,1 × 12,5 cm.

La poterie n'était pas un art inconnu, et les récipients brillamment peints que l'on trouve ici en sont la preuve éclatante. Étonnamment, cet art n'a pas encore reçu la reconnaissance qui lui est due pour des raisons esthétiques. Certains des dessins sont remarquablement complexes, audacieux dans leur forme et souvent aussi sophistiqués que tout ce que l'on trouve dans l'hémisphère occidental. Et ici et là, on trouve des touches d'humour intrigantes, une qualité largement absente des arts aztèques et mayas.

Peu de choses ont survécu des expressions architecturales de cette région. Certaines grandes sculptures en pierre de Penonomé, dans la province de Coclé, au Panama, suggèrent que l'utilisation de la pierre dans les grandes structures n'était pas inconnue ; mais apparemment, toutes ces structures ont été détruites, dans les années qui ont suivi la conquête espagnole, par des personnes qui utilisaient les pierres pour construire.

Après la conquête, l'éradication de la culture indigène en Amérique centrale a été plus rigoureuse que dans de nombreuses autres régions, et le résultat net est que, au sud du Guatemala, la rupture avec les traditions du passé est pratiquement complète. Il existe quelques vestiges au Costa Rica, mais ils sont peu nombreux et les preuves de leur culture précolombienne ne sont que marginales. Aujourd'hui, les arts et métiers pratiqués peuvent refléter un continuum de conception, mais ils sont syncrétiques, intégrant des éléments de l'art européen aux traditions indigènes (voir aussi l'art latino-américain). Les seules régions dans lesquelles une influence esthétique préhistorique considérable survit sont le Mexique et le Guatemala, où les artisans indigènes ont pu maintenir leurs arts quelque peu vivants en recourant à des dessins et des fonctions anciens.

 

Style régional : Antilles | art amérindien 

La région des Caraïbes a sans aucun doute perdu plus de son caractère autochtone que toute autre région des Amériques. La disparition presque totale de la population des îles peu après la conquête et le repeuplement ultérieur de la région par des esclaves noirs ont rendu impossible toute transmission des expressions culturelles indiennes. C'est pourquoi les habitants de ces îles ont rarement le sentiment d'être en relation avec les habitants ancestraux. Il est certainement vrai que le non-Indien moyen n'a aucune compréhension de la richesse des arts qui s'y trouvaient autrefois.

Les délicates sculptures sur bois, les textiles, les plumes et les objets périssables connexes dont l'existence est attestée par des références dans les comptes espagnols ont largement disparu. On ne connaît que quelques sculptures sur bois et un petit nombre de sculptures en coquillage et en os. La grande force de l'art préhistorique survivant de la région est dans la pierre ; et dans ce médium, on trouve des œuvres remarquablement sophistiquées et puissantes. De petites sculptures à trois pointes, souvent de forme humaine ou zoomorphique, représentaient les esprits (zemi) de la terre. La culture Taino est célèbre pour ces sculptures zemi, que l'on trouve dans de nombreuses îles, notamment à Porto Rico et à Hispaniola. Les pilons en pierre avec des motifs humains et animaux sont également courants, ainsi que d'étranges "cols de pierre" - des sculptures ovales qui peuvent être liées aux yugos du Mexique et du Guatemala. La forme la plus courante, cependant, est la tête humaine, souvent une tête de mort, ce qui suggère une culture préoccupée par la mortalité. Les peuples de cette région étaient également fascinés par les formes bizarres de la pierre. Des "pierres à virgules" inhabituelles, dont la signification - si elle a pu être découverte par des chercheurs - a été retrouvée un peu partout dans les Antilles. Leur nombre ainsi que le soin et l'habileté avec lesquels elles ont été sculptées suggèrent qu'elles ont eu un rôle important dans la culture.

Bien que l'on pense que les Tainos ont surpassé les autres peuples des Antilles en matière de développement esthétique, des exemples de formes et de techniques artistiques ultérieures caractéristiques des Arawaks, des Caraïbes et des tribus apparentées qui survivent encore en Amérique du Sud voisine peuvent constituer un lien entre l'ancien et le moderne. Comme les Taino étaient une division des Arawak, le tissage moderne des Arawak peut donc indiquer quelque chose de ce qui a dû exister chez les Taino préhistoriques.

La route maritime trans-Caraïbes des îles vers le continent a évidemment transporté des influences culturelles, ainsi que des matériaux, dans les deux sens ; mais on en sait beaucoup trop peu sur ces influences pour pouvoir déterminer quelle zone (les îles ou le continent) a été la plus touchée. En conséquence, on ne sait pas grand-chose de la civilisation antillaise, si ce n'est qu'elle a produit des sculptures extrêmement réussies. La civilisation elle-même a été conquise si rapidement et si complètement qu'on ne peut que l'admirer, mais pas la comprendre entièrement.

 

Style régional : Amérique du Sud | art amérindien canada
Colombie, Équateur et Brésil

Le plus grand problème dans l'évaluation de l'art indien de cette région est la fâcheuse tendance historique à tout regrouper sous le titre "Inca", comme si aucune autre culture n'avait jamais atteint une certaine importance. En fait, lorsqu'on entreprend d'examiner le continent de manière critique, il est évident que les Incas étaient parmi les moins remarquables esthétiquement des différents peuples d'Amérique du Sud, qui ont presque tous atteint des niveaux artistiques qui n'ont été qu'occasionnellement égalés par les retardataires. Ce n'est probablement que dans l'utilisation architecturale de la pierre et dans les arts textiles que les Incas se sont distingués en comparaison artistique.

Le tissage était l'un des trois arts qui faisaient la force de l'Amérique du Sud, les deux autres étant le travail du métal et la poterie. Aucun autre peuple de l'hémisphère occidental - et moins d'une poignée ailleurs dans le monde - n'est parvenu à égaler l'accomplissement esthétique et technique du tisserand péruvien. On peut imaginer l'étonnement des premiers explorateurs espagnols lorsqu'ils ont vu pour la première fois ce vêtement rayonnant, même s'ils l'ont très vite passé pour l'or qu'ils convoitaient.

Le travail du métal était à son apogée au Pérou, en Colombie et en Équateur, chacun de ces pays ayant développé de grandes cultures dont les arts étaient à la hauteur des exigences de la matière première. L'or de Tairona, en Colombie, est très apprécié pour son design et son artisanat, tout comme le travail des Quimbayas, dont l'habileté à créer des flacons en métal poli est remarquable. Il faut également noter la fonte du Sinú, qui peut exécuter des travaux pesant plusieurs livres. En Équateur, l'orfèvrerie trouvée à La Tolita est légendaire et montre une habileté dans le moulage et le recouvrement qui ne semble pas exister ailleurs dans la région. Au Pérou, la plupart des pièces d'or qui ont survécu ont été créées par les peuples Chimú et Nazca. Cependant, les découvertes majeures faites à Chongoyape démontrent que cet art était déjà très avancé à l'époque de Chavín. En effet, ces pièces semblent être les premiers produits en or d'Amérique, ayant été créés vers 900-500 avant JC.

 

Couronne en or martelé provenant de Chongyape (Pérou), époque Chavín, 900-500 av. J.-C. ; au Centre George Gustav Heye du Musée national des Indiens d'Amérique, New York. 14 × 24 cm.

L'art le plus répandu et le plus varié est peut-être la poterie. Dans la gamme passionnante des formes imaginatives, des récipients exubérants côtoient des œuvres sombres et formelles. L'utilisation de couleurs brillantes est courante, et le degré de modelage minutieux fait de nombre de ces récipients en poterie de véritables chefs-d'œuvre de sculpture.

Matériau populaire, la pierre a été utilisée dans la majeure partie de l'Amérique du Sud pour des formes massives ; les petites sculptures en pierre délicatement tracées que l'on trouve en Amérique centrale sont rarement rencontrées au sud de cette région. Sur le plan architectural, les Incas ont surpassé tous les autres dans leur utilisation de blocs de pierre de taille géante, taillés de façon complexe, sur les sites de Machu Picchu, Sacsahuamán et Ollantaytambo. Il n'y a qu'à San Agustín, en Colombie, qu'il y a eu une utilisation monumentale similaire de la pierre. À Manabí, en Équateur, des blocs de pierre ont été habilement sculptés en trônes et en sièges gigantesques.

Ruines de la cité inca de Machu Picchu, Pérou, vers le XVe siècle.

Colombie | art amérindien canada

La Colombie est l'une des premières régions d'Amérique du Sud à avoir bénéficié d'une colonisation. On sait qu'une culture indienne pré-poterie est arrivée dans la région vers 10 000 avant J.-C., et les fouilles de Puerto Hormiga révèlent qu'une culture de fabrication de poteries existait déjà en 3000 avant J.-C. J.-C. Les expressions culturelles plus précises, cependant, ne sont pas trouvées en quantité avant San Agustín, qui a vu le jour avec l'avènement de l'ère commune, ou chrétienne. Peu de poteries ont été récupérées dans la région jusqu'à présent, mais les sculptures sur pierre sont très connues. Deux cultures ultérieures au nord de ce site, qui ont donné une quantité plus généreuse d'objets d'art, sont Calima, connue pour son orfèvrerie, et Quimbaya, dont l'or et la poterie sont tous deux des indicateurs culturels importants.

 

Conteneur de chaux (poporo), or, culture Quimbaya, Colombie, 1er-7e siècle ; au Metropolitan Museum of Art, New York.

 

Le poporo était utilisé dans les cérémonies précolombiennes impliquant la mastication de feuilles de coca avec de la poudre de chaux. La poudre de chaux stockée dans ces bouteilles était produite par le broyage de coquillages chauffés.

Comme les régions du sud et de l'est du pays sont presque inconnues sur le plan archéologique, les preuves concluantes sont absentes, mais pour l'instant il ne semble pas que leur préhistoire ait été riche sur le plan artistique. Les premiers sites de pré-poterie ont été trouvés, notamment à El Jobo, à Falcón, qui datent d'environ 14 920 avant J.-C. La pierre sculptée était utilisée pour des objets tels que des petits pendentifs ou des fétiches ; on sait également que des coquillages et des os ont été utilisés.

Il est certain qu'il s'agissait d'un point de contact avec de nombreux peuples antillais et que les voyages aller-retour entre les deux régions étaient une coutume régulière. Christophe Colomb a rapporté ce commerce - qui semble avoir été une pratique de longue date - à son arrivée.

 

Équateur | art amérindien 

C'est vers l'Équateur qu'il faut se tourner pour un examen des formes d'art anciennes. À cheval sur l'Équateur, comme son nom l'indique, cette région - aujourd'hui la plus petite république d'Amérique du Sud - est l'une des plus fascinantes du continent. Pendant des décennies, la région a été ignorée par les spécialistes au profit de la région péruvienne, plus glamour, mais à la fin du XXe siècle, sa formidable antiquité a commencé à être reconnue. Il semble maintenant que les anciens humains aient établi leur premier pied sud-américain en Équateur et que la région soit également le site des premières poteries datables. Depuis peut-être 15 000 ans avant J.-C. jusqu'à environ 3200 ans avant J.-C., lorsque l'existence de la poterie à Valdivia a été connue, la région a connu une longue période de développement régulier. Et le développement n'a pas été irrégulier, car l'augmentation de la population était également constante.

Bien que les grandes villes et certaines des principales activités culturelles du sud ne se trouvent pas en Équateur, les réalisations culturelles sont néanmoins considérables. Le tissage se fait en quantité, comme en témoignent les récits espagnols ; et, plus spectaculaire encore, l'orfèvrerie est une expression majeure du savoir-faire de l'artiste. De grandes pièces, telles que des couronnes et des cuirasses, et de minuscules miniatures reflétant la sûreté de la main d'un maître ont été trouvées. Aucune de ces pièces n'est unique ; elles sont connues en quantité suffisante pour prouver l'existence d'un artisanat de longue date. Des centaines de milliers de minuscules perles d'or, chacune coulée individuellement, ont été trouvées dans les sables de La Tolita ; et d'autres, légèrement plus grandes, avec des surfaces granuleuses indiquant la maîtrise d'un processus de coulée complexe, ont également été récupérées. La technique de l'incrustation a également été maîtrisée, et l'utilisation d'émeraudes et d'autres pierres précieuses en tant que sertissage est courante. Le platine était travaillé, comme en Colombie ; non seulement il était coulé, mais il était aussi fréquemment utilisé en combinaison avec d'autres métaux. Le cuivre aussi était travaillé, à la fois dans sa forme pure et combiné avec l'étain pour faire du bronze ; occasionnellement, il était doré pour créer une finition pseudo-or. Les lourdes haches en cuivre coulé étaient en stock et de nombreux petits objets étaient fabriqués en quantité.

La poterie qui sortait des mains des ouvriers en argile était de haute qualité, magnifiquement conçue et bien finie. Le modelage était puissant, et il y avait des touches d'humour. Les spécialistes ne savent pas exactement dans quelle mesure la couleur a été utilisée, car le temps et la terre en ont enlevé une grande partie. Les effigies en argile modelée découvertes en 1966 à Bahía de Manta sont non seulement remarquables par leur taille et leur quantité, mais plus encore par la quantité étonnante de couleurs originales qui avaient été préservées.

Brésil | art amérindien 

On sait en fait peu de choses sur l'archéologie de la vaste région du Brésil. Seuls les environs de la zone amazonienne ont fait l'objet de beaucoup de travaux, et là principalement sur l'Ilha de Marajó. La taille a entravé une grande partie des efforts visant à élucider la préhistoire, mais les conditions climatiques et la croissance excessive de la jungle se sont également combinées pour résister à la pénétration. Ce que l'on sait, cependant, est alléchant pour le chercheur, car à Lagoa Santa, dans le Minas Gerais, les os d'un être humain ont été associés à un mammouth abattu pour la nourriture dès 10 000 avant J.-C. ; et des récipients en poterie ont été découverts, attestant d'une civilisation remarquablement avancée dans les basses terres amazoniennes, peut-être dès l'an 1000. Mais ce qui se situe entre ces deux extrêmes dans le temps reste à découvrir.

L'objet le plus intéressant d'un point de vue esthétique qui a été fouillé au Brésil est une forme de poterie unique, trouvée sur l'Ilha de Marajó et appelée Marajoara, qui intègre le modelage et la peinture avec une sculpture en bas-relief de la surface. Plusieurs expéditions réussies ont permis de récupérer de modestes quantités de matériel, mais l'île, qui est régulièrement inondée par l'embouchure de l'Amazone, a résisté à une excavation complète. Un style individuel trouvé sur la minuscule île de Maracá, et un autre de Santarém, suggèrent l'existence dans cette région d'un enchevêtrement d'expressions esthétiques, certaines apparentées, d'autres étrangères. Étonnamment, le style géométrique fort de Marajoara semble n'avoir influencé aucune des cultures qui l'entourent.

 

Pérou et Bolivie | art amérindien

Les grandes civilisations du Pérou et de la Bolivie des hauts plateaux - avec leurs structures monolithiques en pierre, leurs grandes organisations politiques et leurs richesses matérielles élaborées - ont longtemps attiré l'attention du monde extérieur. C'est la seule région d'Amérique du Sud où des structures d'une certaine ampleur ont été construites ; les ruines de Tiwanaku, Cuzco, Chan Chan et d'autres centres urbains similaires bien développés témoignent de la réussite de peuples hautement qualifiés. La poterie a été trouvée dans tous les styles et types, des marchandises relativement brutes aux chefs-d'œuvre les plus peints et polis. Les sifflets sont courants, et les diverses formes d'instruments de musique dépassent peut-être celles que l'on trouve dans d'autres civilisations du continent. Les représentations de la vie quotidienne sur la poterie reflètent des civilisations complètes et bien équilibrées.

Les humains étaient certainement actifs au Pérou dès 10 000 ans avant J.-C., et la fabrication de poteries dans ce pays ne date pas de plus de 1 200 ans avant J.-C. J.-C. Lentement, ces dates seront repoussées à mesure que les chercheurs décortiqueront de plus en plus la préhistoire, car, compte tenu du stade avancé de certains travaux anciens, il est certain qu'ils seront précédés par d'autres.

Les grandes ruines péruviennes autour de Chavín de Huántar ont donné le nom de Chavín à l'une des civilisations les plus remarquables d'Amérique du Sud - et l'une des plus anciennes, bien qu'elle n'ait apparemment pas coïncidé avec la Valdivia d'Équateur (vers 3200 av. J.-C.). J.-C. On y a trouvé des vestiges, célèbres dans le monde archéologique, de l'une des premières cultures d'Amérique. Des objets en pierre taillée, une poterie fantastique qui témoigne des compétences les plus avancées, des preuves de construction en pierre et un travail de l'or remarquablement sophistiqué sont autant de témoignages d'une époque vraiment magnifique de l'histoire ancienne.

Une autre découverte a mis en lumière les preuves d'une civilisation ancienne à Ayabaca, à Piura, dans le nord-ouest du Pérou, qui était probablement cotemporaine avec les Chavín. Nommée Vicús d'après la vallée dans laquelle elle a été découverte et datant entre 250 avant J.-C. et 500 après J.-C., cette civilisation a produit une poterie qui ressemble à la céramique de l'Équateur voisin et un travail de l'or qui n'est pas sans rappeler d'autres formes anciennes. La découverte de cette civilisation, inconnue jusqu'à la fin des années 1960, suggère l'existence d'autres civilisations.

Au sud de la région de Chavín, une autre haute culture s'est développée autour de la péninsule de Paracas. Cette civilisation a produit une célèbre poterie à parois minces et certains des textiles les plus extraordinaires qui existent. De grands manteaux tissés, des ponchos et de petites tapisseries ont été créés entre 1000 et 250 avant JC.

Manteau brodé utilisé pour enterrer les morts, culture de la nécropole de Paracas vers 200 avant J.-C. - 200 après J.-C. ; au Linden-Museum, Stuttgart, Allemagne.

Tout comme les éléments de la civilisation Chavín ont filtré vers le sud pour influencer le peuple Paracas, ils ont influencé un développement au nord, autour des vallées du Virú, de la Chicama et de la Moche, de 250 avant J.-C. à 750 après J.-C. Communément appelés Moche, ces peuples ont développé une forme d'art mature qui comprend certaines des plus belles sculptures plastiques de l'histoire de la poterie. La diversité des motifs rend ces objets remarquables non seulement comme art mais aussi comme témoignage de la civilisation dont ils sont issus. Le grand nombre d'objets produits suggère que la civilisation était extrêmement peuplée, dans laquelle le pouvoir et la richesse étaient des objectifs majeurs.

Peu à peu, cette civilisation a cédé la place à celle des envahisseurs, les Chimú, dont la capitale, Chan Chan, a été de 1000 à 1500 après J.-C. l'un des grands centres urbains de l'ancien Pérou. Cette immense ville, aujourd'hui en grande partie détruite, abritait autrefois 100 000 personnes et produisait un ensemble spectaculaire d'œuvres artistiques : bijoux en or, manteaux de plumes, grands textiles, et un travail considérable de bois et d'argile. Le climat aride a préservé plus d'art de la région de Chimú que de beaucoup d'autres sections, et les récits espagnols aident les chercheurs à comprendre ces artefacts. La poterie était aussi habile que toutes celles que l'on trouve ailleurs, bien qu'à la période étudiée, une certaine paralysie se soit installée ; il est certain que de nombreux dessins ont une qualité statique, sans doute en raison de l'utilisation intensive de moules. La demande des clients devait être si importante que l'artisan devait recourir à la production de masse pour suivre ses clients.

Masque mortuaire, en alliage d'or et d'argent, avec des yeux et des oreilles en cuivre, culture Chimú, vers 1000 avant J.-C. 1465, centré à Chan Chan ; dans une collection privée.

Dans le sud, un grand talent de potier était à l'œuvre d'environ 250 avant J.-C. à 750 après J.-C. dans la vallée de Nazca. Là, les potiers les plus avancés techniquement en Amérique du Sud produisaient des récipients en argile parfaitement formés, fortement cuits, brillamment peints et souvent façonnés de façon complexe. Principalement moulés, ils étaient fabriqués en grande quantité, avec la même rigidité formelle que celle de la poterie de Chimú. Les tisserands de Nazca ont cependant réussi à vaincre le marché de masse, car leur travail était consacré à la plus haute qualité, et leur habileté était telle que même si des kilomètres de tissus aux motifs similaires étaient produits régulièrement, la répétition ne détruisait pas sa beauté. En fait, les motifs d'ensemble si fréquemment observés offrent une harmonie qui donne un beau tissu. Il n'existait littéralement aucun procédé de tissage inconnu des anciens Péruviens. L'orfèvrerie de Nazca semble ne pas avoir atteint les normes atteintes par les autres orfèvreries péruviennes ; dans l'ensemble, c'est un produit apathique, n'ayant que le matériau pour le recommander. La fine feuille d'or martelée était couramment utilisée pour l'ornementation de Nazca.

L'art de la civilisation Ica (1000-1500 apr. J.-C.) est étroitement lié à l'œuvre de Nazca et s'en inspire. Ces peuples produisaient des textiles fins, dont les motifs étaient souvent reproduits sur les poteries de la région. Le climat sec a également préservé une grande quantité de sculptures sur bois, dont la plupart sont en si bon état que la qualité de l'art peut être clairement visible.

Dans la région centrale du Pérou, un groupe de personnes a émergé, a construit une modeste civilisation et l'a développée pour en faire un monde qui existait déjà à l'arrivée des Espagnols. Les Chancay ne sont pas connus pour leurs grandes œuvres d'art ; leur poterie, produite entre 1000 et 1500 après J.-C., est un simple objet noir sur blanc, généralement peint en couleurs douces, simplement défini et souvent d'apparence brute. Leur seule qualité exceptionnelle est l'humour ; de nombreux récipients Chancay montrent un sens vif de l'absurde, fournissant presque une bande dessinée péruvienne. Le tissage de Chancay est excellent, et plusieurs milliers d'exemples survivants attestent de cette prééminence technique.

Plus loin, en Bolivie, une autre grande civilisation s'est développée : le monde Tiwanaku. Son origine et toute l'histoire de son développement ne sont pas encore totalement comprises, mais on sait qu'elle a exercé une influence considérable sur une vaste zone de l'Amérique du Sud de 250 à 750 après J.-C. L'une de ses qualités les plus caractéristiques était l'utilisation de villes fortifiées en pierre, d'immenses portes avec des lambris finement sculptés et de grandes routes pavées. L'art de Tiwanaku est une expression plutôt anguleuse, avec des motifs répétitifs et peu originaux. La poterie de ce site est tout aussi peu inspirante ; bien que de couleur vive, elle ne montre pas la variété et la perfection technique que l'on trouve dans les marchandises de l'Inca et de Nazca voisins. Là encore, le grand art est le tissage. Il semble que dans de nombreuses cultures, l'attention portée aux arts textiles a largement éclipsé celle consacrée à tous les autres arts. Il en va de même pour les Tiwanaku, qui ont produit des ponchos, des casquettes, des pochettes et d'autres pièces de costume qui sont instantanément reconnaissables partout où on les voit et qui défient le tisseur contemporain par leur variété, leur tissage fantastiquement serré et leur remarquable richesse de couleurs.

La civilisation inca avait commencé vers 1200 après J.-C., mais l'empire lui-même ne s'est pas établi avant 1438, avec l'accession de Pachacuti Inca Yupanqui, le plus grand des souverains incas. Avec l'arrivée des Espagnols en 1532, l'empire est à son apogée mais souffre d'un schisme qui s'avère fatal face à l'attaque européenne. L'invasion espagnole fut si sauvage que l'empire, qui comptait quelque 6 millions d'individus à son apogée, se retrouva sans tête et, en 30 ans, sa population avait chuté à 1,5 million d'habitants. Une partie de cet héritage est que moins d'art survit de la culture inca que de beaucoup de cultures péruviennes bien plus anciennes ; il y a beaucoup plus de ponchos Tiwanaku connus que ceux de la période inca, par exemple. Il en reste cependant suffisamment pour permettre aux chercheurs de caractériser les formes d'art inca. L'aryballus (bouteille globulaire pour les liquides) est connu dans le monde entier, et le travail de la pierre était courant et d'excellente qualité. L'argent et l'or n'étaient pas un mystère pour les Incas ; le tribut religieux était réclamé sous forme de métal travaillé, traité comme un cadeau au dieu soleil. C'est d'ailleurs cette pratique qui a prouvé la perte de l'Inca, car les chercheurs de trésors espagnols ont abandonné toute autre activité en raison de leur avidité pour les métaux précieux. Avec le temps, la civilisation inca a décliné à un point tel qu'elle n'était plus qu'une coquille.

 

Alpaga, figurine inca en argent, ad 1200-1400 ; au Musée américain d'histoire naturelle, New York. Hauteur 19 cm.

Chili et Argentine

Le site du Monte Verde au Chili est le plus ancien site d'habitation humaine solidement daté des Amériques, à 10 500 ans avant Jésus-Christ. Vers 500 avant J.-C., des potiers sont devenus actifs dans le sud. J.-C., les potiers ont commencé à travailler dans le sud du pays. Bien que l'habitation humaine ait été tardive, les civilisations se sont rapidement développées. En errant dans les Andes, les hommes se sont installés au Chili, où ils étaient connus sous le nom de Diaguita, et dans le nord de l'Argentine, où ils étaient connus sous le nom de Chalchaquí. Très vite, les peuples de cette région ont développé leurs propres arts, dont certains sont uniques. Ils ont produit de la poterie fine et des textiles solides et colorés. L'or n'a jamais été un produit majeur, bien que le cuivre soit devenu un métal important, en partie à cause de sa prévalence. Les gens coulaient d'énormes disques et plaques de cuivre et fabriquaient des urnes funéraires spéciales pour leurs enfants, réservant même des zones de cimetière en guise de touchante démonstration d'affection. La période de peuplement de Diaguita s'étend sur environ 1 500 ans, soit de 1 à 1 500 ans environ après J.-C.

Plaque en cuivre coulé de la fin de l'Aguada ou du début du Chalchaquí représentant un homme entre deux félins, d'Argentine, vers 700-1000 apr. J.-C. ; au University Museum of Archaeology and Ethnology, Cambridge. 16 × 14 cm.

Avec l'extension de l'empire inca dans les régions chilienne et argentine, l'omniprésente forme aryballus s'y est retrouvée, tout comme d'autres expressions incas similaires. En effet, les formes de poterie donnent un indice sur la présence ou l'absence des seigneurs incas.

Avec l'arrivée des Européens, tout cela a changé. De toutes les civilisations indiennes d'Amérique du Sud, il n'y a qu'en Équateur, au Pérou, en Bolivie et au Chili qu'il existe un continuum d'arts indigènes. Et même dans ces pays, l'influence européenne a été si omniprésente qu'elle a fait disparaître toutes les caractéristiques esthétiques, sauf les plus dominantes.

 

 

 

Les arts des peuples amérindiens dans le monde contemporain

Dans le monde de l'art contemporain, l'art amérindien occupe un rôle périphérique. Jusqu'à ces dernières décennies, le seul effort important pour exposer cet art dans des galeries ou des musées était fourni par les quelques institutions spécialisées dans les sujets ethnologiques, exotiques ou d'histoire de l'art, ainsi que par le rare musée spécialisé consacré uniquement aux matériaux indiens ou à ceux de l'Ouest américain.

L'intérêt le plus actif pour l'art amérindien semble avoir été moins pour les produits des cultures vivantes que pour les arts préhistoriques et moins pour les arts des peuples préhistoriques d'Amérique du Nord que pour "l'art précolombien", qui est généralement compris comme les œuvres des soi-disant hautes civilisations - notamment les Mayas, les Aztèques, les Incas et les Moche. Il faut le regretter, car non seulement il en résulte une surestimation qui détruit l'équilibre intellectuel, mais il a également relégué au second plan certaines des réalisations esthétiques les plus passionnantes des Amérindiens. Le bol en diorite représentant un canard en bois à crête que certains ont appelé "le vase de Portland de l'Amérique" n'est pas un cas isolé, car il existe d'autres belles sculptures qui méritent tout autant d'attention.

Des efforts plus actifs pour préserver l'art amérindien ont été faits aux États-Unis qu'ailleurs. Le premier a eu lieu dans les années 1920, lorsqu'un groupe d'artistes euro-américains situé à Santa Fe (N.M.) et dans ses environs a trouvé un intérêt dans le travail des Indiens du sud-ouest. Avec la colonie d'artistes dite de Taos, ces personnes influentes ont réussi à faire connaître les valeurs de l'art amérindien au monde extérieur par le biais de publications, d'expositions et de leurs œuvres, dans lesquelles le design indien figurait souvent en bonne place. Avec le temps, ce groupe a veillé à la création d'une école d'art indien à Santa Fe. De cette école sont issus de nombreux noms parmi les plus familiers de l'art indien. Oqwa Pi, Jack Hokeah, Awa Tsireh, Pablita Velarde, Andy Tsinajinnie, Allan Houser, Ben Quintana, Gerónima Cruz Montoya, Eva Mirabal et Waldo Mootzka ne sont que quelques-uns des étudiants qui ont participé à cette période passionnante. Après un premier succès, l'école a connu une période de prospérité, mais a ensuite été victime de la Grande Dépression.

Herding Sheep, aquarelle sur papier d'Allan Houser, un Apache Chiricahua, 1953 ; au Denver Art Museum.

La promulgation de la loi de 1934 sur la réorganisation des Indiens, qui a donné naissance à l'Indian Arts and Crafts Board, a également suscité un vif intérêt. Sous l'impulsion de John Collier, alors commissaire aux affaires indiennes, cet organisme est l'une des rares organisations gouvernementales créées spécifiquement pour promouvoir, encourager et faire revivre les arts et l'artisanat autochtones. Bien qu'il ait été conçu en grande partie comme un instrument économique destiné à augmenter les revenus des Indiens d'Amérique, le conseil comprenait heureusement des membres qui connaissaient et étaient sensibles aux forces esthétiques et culturelles des cultures amérindiennes. Un programme d'exploration a révélé une résilience surprenante de l'artisanat indigène, et un noyau d'artisans encore actifs qui se souvenaient de techniques plus anciennes a été engagé pour perpétuer leurs arts. De ce programme est née une renaissance qui se poursuit encore, même après que le conseil soit devenu moins influent, car l'artiste indigène se retrouve de plus en plus dans son art. Ce qui promet de devenir le principal facteur influençant l'art indien est l'Institut des arts amérindiens de Santa Fe, une émanation de l'intérêt précoce du Conseil des arts et de l'artisanat indiens pour aider les jeunes artistes amérindiens à obtenir la formation nécessaire.

Stimulé par ces développements, l'intérêt des musées d'art et des collectionneurs pour l'art indigène a fait prendre conscience au grand public de l'existence d'une forme d'art remarquable, bien que négligée.

Aujourd'hui, on constate un intérêt croissant pour l'expression culturelle indienne chez de nombreux Indiens d'Amérique du Nord. De nombreux Indiens veulent apprendre ce qu'ils peuvent de leur passé et sauver ce qui peut être préservé.

La plus grande force positive à apparaître depuis quelque temps est peut-être celle des conseils tribaux indiens et des conseils de développement économique, dont beaucoup soutiennent les arts dans leur propre région, non seulement pour augmenter leurs revenus, mais aussi par conscience de la valeur culturelle de ces arts. De nombreuses tribus, en particulier les Navajo, les Hopi, les Cherokee et les Crow, ont mis en place des fonds pour développer des zones d'artisanat, des centres de vente et des musées afin de promouvoir l'appréciation de leurs arts traditionnels et ainsi renforcer le tissu de la tribu. Certains ont mis en place des écoles d'artisanat afin que les jeunes aient accès à la formation nécessaire.

La peinture a pris plusieurs directions nouvelles et positives. De nombreux artistes amérindiens créent des œuvres remarquables à l'acrylique, à la détrempe, à l'huile et dans d'autres médias connexes, ce qui leur permet d'être reconnus dans le domaine des beaux-arts et de faire carrière dans le monde entier. Reflétant la diversité de leurs intérêts et de leurs identités, certains préfèrent peindre de manière totalement libre, ce qui signifie que leur travail ne reflétera pas nécessairement leur ascendance. D'autres recherchent des moyens leur permettant de peindre dans le "style indien" ou de combiner des thèmes et des techniques autochtones avec ceux d'autres cultures. A l'image des hippies.

Dans d'autres parties de l'hémisphère occidental, des organisations similaires à celles des États-Unis ont été créées pour promouvoir les mouvements d'artisanat autochtone. En général, ces mouvements trouvent leur plus grand soutien dans les régions où le nationalisme est en hausse et où la fierté de ses origines est prééminente. La nation latino-américaine qui a pris les mesures les plus efficaces dans ce sens a certainement été le Mexique ; son Musée national d'archéologie, construit en 1964, est peut-être la plus belle structure de ce type au monde et constitue un monument du patrimoine de ce pays. Le Guatemala, la Colombie, le Pérou et l'Équateur ont également consacré une grande attention architecturale à leurs cultures d'origine.

 

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